Pour découvrir Noël sous un angle différent, l’Irlande et l’Écosse sont des destinations idéales. Ces deux pays aux confins de l’Europe se distinguent par leur caractère unique, qui se manifeste aussi dans leurs traditions de Noël. Le groupe The Outside Track, composé de musiciennes irlandaises, écossaises et canadiennes, présente son programme The Essence of Irish & Scottish Christmas, à la fois divertissant et éducatif, et qui offre au public une immersion dans des coutumes de Noël inhabituelles mais fortes d’un riche contexte historique. Saviez-vous, par exemple, que le fameux baiser sous une branche de gui provient des druides celtiques, qui attribuaient au gui des vertus fertilisantes. Dans les pays celtiques, Noël n’est pas seulement une période de recueillement, mais aussi l’occasion de faire la fête et de danser joyeusement. Avec une énergie débordante, une virtuosité remarquable, des claquettes, des arrangements originaux et des voix exceptionnelles, The Outside Track nous plonge avec brio dans la magie de la saison hivernale.
Même 25 ans après son décès, Astor Piazzolla demeure la figure emblématique du tango contemporain. Est-il vraiment l’unique génie de ce genre, le créateur exclusif du Tango Nuevo, et peut-on encore réinventer le tango aujourd’hui ? C’est le défi que se sont lancé les membres du quintette luxembourgeois La Boca, fondé en 1998. Après deux décennies dédiées à la promotion du répertoire de Piazzolla, l’ensemble a franchi une nouvelle étape en élargissant son répertoire au-delà des œuvres du Maître. Ils ont ainsi exploré les grands classiques du tango et ont recherché de nouveaux talents parmi les étoiles montantes de la scène mondiale. Certains membres de La Boca ont également composé de nouvelles partitions dans l’esprit et le style de cette musique. Le quintette emprunte son nom à un quartier populaire de Buenos Aires, un quartier pauvre à l’intense vie nocturne où s’est développé et imposé le tango, ce genre populaire qui a si vite acquis une notoriété mondiale.
Né au Luxembourg en 2004 et issu d’une famille de musiciens, le trompettiste Daniel Migliosi s’est rapidement taillé une place dans le monde du jazz et a été acclamé pour son premier album Left On Scene. Reconnu pour sa maîtrise instrumental, Migliosi et son quintet canalisent habilement les sonorités nostalgiques du swing et du jazz moderne, offrant une ode au paysage musical qui a bercé ses années de formation. Cette synergie collective se déploie sur son nouvel album On The Edge, où l’essence du jazz est méticuleusement mise en avant. Après Left On Scene, qui témoignait magistralement des prouesses musicales de Migliosi, cette dernière création du quintet fait la preuve de la vitalité durable du jazz, avec une science qui captive le public et ravive l’esprit de ce genre intemporel.
Le Soweto Gospel Choir, lauréat de trois Grammy Awards, revient à Ettelbruck en apportant avec lui un brin d’espoir. Hope, c’est en effet le nom de son nouveau programme, qui rend hommage au mouvement de la liberté en Afrique du Sud et à celui des droits civiques aux États-Unis. Conçu pour apporter de la joie à toutes et tous, il s’ouvre sur des chants de liberté sudafricains qui ont inspiré la « nation arc-en-ciel ». Le chœur nous entraînera ensuite vers les États-Unis avec de magnifiques interprétations évoquant les combats pour les droits civiques, comme certains titres des légendaires Billie Holiday, James Brown, Otis Redding, Curtis Mayfield ou encore de l’inégalable Aretha Franklin. Le Soweto Gospel Choir est vraiment un ensemble très impressionnant, qui fait vibrer le public du monde entier par ses rythmes saisissants, ses riches harmonies vocales et ses magnifiques costumes, offrant une expérience musicale unique et empreinte d’une grande émotion.
Oktopus est une figure importante de la scène world nord-américaine, avec à son actif plus de 300 prestations au Canada et à l’international. Le groupe se consacre principalement à la musique klezmer et se distingue par une approche nouvelle incorporant plusieurs éléments des répertoires classique, québécois et jazz. Les compositions originales et arrangements finement ciselés y côtoient l’improvisation. De même que les musiciens d’antan intégraient à leur répertoire les musiques qu’ils rencontraient dans leurs voyages, Oktopus s’inspire des musiques qui ont parsemé le parcours de ses musiciens. Ainsi, plusieurs compositeurs classiques comme Bartók, Brahms, Prokofiev ou Enesco voient leurs mélodies réarrangées par l’octuor, qui se concentre particulièrement sur les œuvres dérivées de thèmes folkloriques. Les chansonniers québécois, comme Félix Leclerc et Gilles Vigneault, sont aussi sources d’inspiration et s’ajoutent au répertoire du groupe. Les huit musiciens virtuoses offrent un spectacle festif et endiablé, tout autant que mélancolique et profond, saupoudré d’humour et d’histoires. La complicité, la passion et le travail de l’ensemble contribuent à rendre mémorable chacune de ses prestations – qu’elles aient lieu sur scène, dans la rue, sur un bateau, dans une montgolfière ou dans votre salon. C’est… comment dire… spectentaculaire !
Menés par Francisco Fernandez, les américains de The Ferocious Few fusionnent un rock effréné, des paroles d’inspiration folk, une touche punk et une sensibilité rockabilly. Leur musique et leurs paroles sont sincères et authentiques et chaque performance un véritable spectacle. Depuis leur formation en 2005, ils ont conquis les grandes scènes californiennes et parcouru le monde avec des riffs de guitare enflammés et un jeu de batterie surpuissant. Ils ont partagé l’affiche avec des artistes tels que Cyndi Lauper, Lynyrd Skynyrd, Moby et Billy Idol dans divers festivals comme Coachella, SXSW, Burning Man, Noise Pop, et plus récemment au Reeperbahn Festival d’Hambourg. Basé aujourd’hui au Luxembourg, The Ferocious Few continue de prouver que la musique ouvrière avec un message honnête aura toujours sa place dans la classe moyenne. Leur style est souvent décrit comme un mélange entre Johnny Cash et Nirvana, distillant des décennies d’expériences humaines au travers d’un rock’n’roll authentique et énergique.
Cesária Évora était sans aucun doute la chanteuse la plus célèbre du Cap-Vert. Avec son timbre mélancolique si caractéristique et son style inimitable, elle a enchanté le public du monde entier, conquérant le cœur de millions de personnes. Quoi de mieux alors, pour célébrer la Journée de la culture et des communautés capverdiennes, qu’un concert du Cesária Évora Orchestra ? Afin de perpétuer l’héritage musical de la « diva aux pieds nus » et le style unique de la musique capverdienne, ses anciens musiciens ainsi que de grandes voix actuelles se sont réunis au sein du Cesária Évora Orchestra. Pour ce concert, l’ensemble instrumental est complété par Téofilo Chantre, compositeur de plusieurs tubes de Cesária, ainsi que par de talentueuses chanteuses cap-verdiennes : Elida Almeida, Ceuzany Pires et Lucibela. Elida Almeida, avec sa voix chaude et puissante, s’impose sur les scènes internationales depuis 2015. Ceuzany Pires, découverte avec son album Nha Vida, a gagné sa notoriété depuis son duo en 2022 avec Christophe Maé. Quant à Lucibela, c’est l’Atlantic Music Expo de 2017 qui l’a véritablement révélée. Cette soirée au CAPE promet donc non seulement de rendre un hommage inoubliable à la grande Cesária Évora, mais aussi de célébrer joyeusement la richesse de la culture capverdienne.
Avec son festival de piano, le CAPE met en lumière à chaque édition un grand compositeur de l’histoire de l’instrument. Pour ce nouveau rendez-vous, ce sera au tour du compositeur français Maurice Ravel (1875-1937). Figurant parmi les principaux représentants de l’impressionnisme français, il est considéré, de par son style progressif et innovant, comme un précurseur des mouvements musicaux avant-gardistes ultérieurs. Ce style a été développé par cet élève de Gabriel Fauré tout au long de sa carrière de compositeur, qui a débuté avec des œuvres pour piano telles que le Menuet antique (1889). Sa passion pour l’impressionnisme ainsi que sa relation controversée avec Debussy ont été influentes dans son développement artistique, qui aboutira finalement à un style de composition et d’orchestration coloré et sonore, caractérisé non seulement par une clarté et une précision exceptionnelles, mais également par une sonorité distinctive. Son style révolutionnaire au piano s’est manifesté pour la première fois dans Jeux d’eau (1901) puis dans Miroirs (1904-1905), caractérisés par une harmonie encore plus novatrice, et a culminé en termes de complexité et de virtuosité pianistique dans le cycle Gaspard de la nuit (1908). Notre festival Ravel+, programmé en étroite collaboration avec le pianiste allemand Joseph Moog, permettra à chacun de (re)découvrir cette œuvre de référence, à l’occasion de quatre soirées de récitals de haut niveau.
Le Fauré Quartett s’est imposé comme l’un des plus brillants quatuors avec piano depuis sa fondation en 1995 à Karlsruhe, en Allemagne. Reconnu pour son profil unique et ses multiples facettes, l’ensemble explore de nouveaux champs sonores dans le domaine de la musique de chambre. Son répertoire, qui sort des sentiers battus, témoigne de son approche visionnaire et de son goût pour les découvertes et les expérimentations. Au CAPE, le quatuor présente un programme composé uniquement par des « femmes formidables ». Les obstacles auxquels ces compositrices ont dû faire face tout au long de leur vie se reflètent dans des propos et des citations qui ne nécessitent aucun commentaire supplémentaire. Par exemple, Camille Saint-Saëns s’exclama après avoir entendu la musique de Mel Bonis : « Je n’aurais jamais cru qu’une femme fut capable d’écrire cela. Elle connaît toutes les roueries du métier ». Abraham Mendelssohn, père de Fanny et Felix, écrivait à sa fille : « La musique deviendra peut-être une profession pour lui [Felix], tandis qu’elle ne pourra et ne devra toujours être pour toi qu’un ornement, jamais la basse fondamentale de ton être et de ton agir ». Heureusement, ces trois compositrices ne se sont pas laissé décourager par de tels propos : leurs quatuors pour piano prouvent que leur musique est bien plus qu’un simple « ornement » ou qu’une copie des œuvres de leurs contemporains masculins.
Le Trio Orelon incarne l’harmonie, la créativité et l’esprit d’exploration. Fondé en 2018 à Cologne, cet ensemble tire son appellation de l’espéranto, où Orelon évoque simplement l’oreille, symbolisant ainsi les multiples facettes de l’écoute dans la musique. La violoniste Judith Stapf, le violoncelliste Arnau Rovira i Bascompte et le pianiste Marco Sanna se sont rencontrés aux conservatoires de Cologne et de Berlin. La formation en trio avec piano leur offre la plus grande harmonie musicale et humaine possible : ensemble, ils portent un regard curieux et dynamique sur les œuvres écrites pour cette combinaison instrumentale, les enrichissant d’une énergie indomptable et d’un plaisir du détail dans l’expression. Dans sa recherche de répertoire, le trio a développé le projet Beethovens Töchter (Les Filles de Beethoven), explorant des œuvres peu jouées de compositrices et les mettant en relation avec leur prédécesseur Ludwig van Beethoven.
