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Né au Luxembourg en 2004 et issu d’une famille de musiciens, le trompettiste Daniel Migliosi s’est rapidement taillé une place dans le monde du jazz et a été acclamé pour son premier album Left On Scene. Reconnu pour sa maîtrise instrumental, Migliosi et son quintet canalisent habilement les sonorités nostalgiques du swing et du jazz moderne, offrant une ode au paysage musical qui a bercé ses années de formation. Cette synergie collective se déploie sur son nouvel album On The Edge, où l’essence du jazz est méticuleusement mise en avant. Après Left On Scene, qui témoignait magistralement des prouesses musicales de Migliosi, cette dernière création du quintet fait la preuve de la vitalité durable du jazz, avec une science qui captive le public et ravive l’esprit de ce genre intemporel.
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Le Soweto Gospel Choir, lauréat de trois Grammy Awards, revient à Ettelbruck en apportant avec lui un brin d’espoir. Hope, c’est en effet le nom de son nouveau programme, qui rend hommage au mouvement de la liberté en Afrique du Sud et à celui des droits civiques aux États-Unis. Conçu pour apporter de la joie à toutes et tous, il s’ouvre sur des chants de liberté sudafricains qui ont inspiré la « nation arc-en-ciel ». Le chœur nous entraînera ensuite vers les États-Unis avec de magnifiques interprétations évoquant les combats pour les droits civiques, comme certains titres des légendaires Billie Holiday, James Brown, Otis Redding, Curtis Mayfield ou encore de l’inégalable Aretha Franklin. Le Soweto Gospel Choir est vraiment un ensemble très impressionnant, qui fait vibrer le public du monde entier par ses rythmes saisissants, ses riches harmonies vocales et ses magnifiques costumes, offrant une expérience musicale unique et empreinte d’une grande émotion.
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Oktopus est une figure importante de la scène world nord-américaine, avec à son actif plus de 300 prestations au Canada et à l’international. Le groupe se consacre principalement à la musique klezmer et se distingue par une approche nouvelle incorporant plusieurs éléments des répertoires classique, québécois et jazz. Les compositions originales et arrangements finement ciselés y côtoient l’improvisation. De même que les musiciens d’antan intégraient à leur répertoire les musiques qu’ils rencontraient dans leurs voyages, Oktopus s’inspire des musiques qui ont parsemé le parcours de ses musiciens. Ainsi, plusieurs compositeurs classiques comme Bartók, Brahms, Prokofiev ou Enesco voient leurs mélodies réarrangées par l’octuor, qui se concentre particulièrement sur les œuvres dérivées de thèmes folkloriques. Les chansonniers québécois, comme Félix Leclerc et Gilles Vigneault, sont aussi sources d’inspiration et s’ajoutent au répertoire du groupe. Les huit musiciens virtuoses offrent un spectacle festif et endiablé, tout autant que mélancolique et profond, saupoudré d’humour et d’histoires. La complicité, la passion et le travail de l’ensemble contribuent à rendre mémorable chacune de ses prestations – qu’elles aient lieu sur scène, dans la rue, sur un bateau, dans une montgolfière ou dans votre salon. C’est… comment dire… spectentaculaire !
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Menés par Francisco Fernandez, les américains de The Ferocious Few fusionnent un rock effréné, des paroles d’inspiration folk, une touche punk et une sensibilité rockabilly. Leur musique et leurs paroles sont sincères et authentiques et chaque performance un véritable spectacle. Depuis leur formation en 2005, ils ont conquis les grandes scènes californiennes et parcouru le monde avec des riffs de guitare enflammés et un jeu de batterie surpuissant. Ils ont partagé l’affiche avec des artistes tels que Cyndi Lauper, Lynyrd Skynyrd, Moby et Billy Idol dans divers festivals comme Coachella, SXSW, Burning Man, Noise Pop, et plus récemment au Reeperbahn Festival d’Hambourg. Basé aujourd’hui au Luxembourg, The Ferocious Few continue de prouver que la musique ouvrière avec un message honnête aura toujours sa place dans la classe moyenne. Leur style est souvent décrit comme un mélange entre Johnny Cash et Nirvana, distillant des décennies d’expériences humaines au travers d’un rock’n’roll authentique et énergique.
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Cesária Évora était sans aucun doute la chanteuse la plus célèbre du Cap-Vert. Avec son timbre mélancolique si caractéristique et son style inimitable, elle a enchanté le public du monde entier, conquérant le cœur de millions de personnes. Quoi de mieux alors, pour célébrer la Journée de la culture et des communautés capverdiennes, qu’un concert du Cesária Évora Orchestra ? Afin de perpétuer l’héritage musical de la « diva aux pieds nus » et le style unique de la musique capverdienne, ses anciens musiciens ainsi que de grandes voix actuelles se sont réunis au sein du Cesária Évora Orchestra. Pour ce concert, l’ensemble instrumental est complété par Téofilo Chantre, compositeur de plusieurs tubes de Cesária, ainsi que par de talentueuses chanteuses cap-verdiennes : Elida Almeida, Ceuzany Pires et Lucibela. Elida Almeida, avec sa voix chaude et puissante, s’impose sur les scènes internationales depuis 2015. Ceuzany Pires, découverte avec son album Nha Vida, a gagné sa notoriété depuis son duo en 2022 avec Christophe Maé. Quant à Lucibela, c’est l’Atlantic Music Expo de 2017 qui l’a véritablement révélée. Cette soirée au CAPE promet donc non seulement de rendre un hommage inoubliable à la grande Cesária Évora, mais aussi de célébrer joyeusement la richesse de la culture capverdienne.
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Avec son festival de piano, le CAPE met en lumière à chaque édition un grand compositeur de l’histoire de l’instrument. Pour ce nouveau rendez-vous, ce sera au tour du compositeur français Maurice Ravel (1875-1937). Figurant parmi les principaux représentants de l’impressionnisme français, il est considéré, de par son style progressif et innovant, comme un précurseur des mouvements musicaux avant-gardistes ultérieurs. Ce style a été développé par cet élève de Gabriel Fauré tout au long de sa carrière de compositeur, qui a débuté avec des œuvres pour piano telles que le Menuet antique (1889). Sa passion pour l’impressionnisme ainsi que sa relation controversée avec Debussy ont été influentes dans son développement artistique, qui aboutira finalement à un style de composition et d’orchestration coloré et sonore, caractérisé non seulement par une clarté et une précision exceptionnelles, mais également par une sonorité distinctive. Son style révolutionnaire au piano s’est manifesté pour la première fois dans Jeux d’eau (1901) puis dans Miroirs (1904-1905), caractérisés par une harmonie encore plus novatrice, et a culminé en termes de complexité et de virtuosité pianistique dans le cycle Gaspard de la nuit (1908). Notre festival Ravel+, programmé en étroite collaboration avec le pianiste allemand Joseph Moog, permettra à chacun de (re)découvrir cette œuvre de référence, à l’occasion de quatre soirées de récitals de haut niveau.
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Le Fauré Quartett s’est imposé comme l’un des plus brillants quatuors avec piano depuis sa fondation en 1995 à Karlsruhe, en Allemagne. Reconnu pour son profil unique et ses multiples facettes, l’ensemble explore de nouveaux champs sonores dans le domaine de la musique de chambre. Son répertoire, qui sort des sentiers battus, témoigne de son approche visionnaire et de son goût pour les découvertes et les expérimentations. Au CAPE, le quatuor présente un programme composé uniquement par des « femmes formidables ». Les obstacles auxquels ces compositrices ont dû faire face tout au long de leur vie se reflètent dans des propos et des citations qui ne nécessitent aucun commentaire supplémentaire. Par exemple, Camille Saint-Saëns s’exclama après avoir entendu la musique de Mel Bonis : « Je n’aurais jamais cru qu’une femme fut capable d’écrire cela. Elle connaît toutes les roueries du métier ». Abraham Mendelssohn, père de Fanny et Felix, écrivait à sa fille : « La musique deviendra peut-être une profession pour lui [Felix], tandis qu’elle ne pourra et ne devra toujours être pour toi qu’un ornement, jamais la basse fondamentale de ton être et de ton agir ». Heureusement, ces trois compositrices ne se sont pas laissé décourager par de tels propos : leurs quatuors pour piano prouvent que leur musique est bien plus qu’un simple « ornement » ou qu’une copie des œuvres de leurs contemporains masculins.
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Le Trio Orelon incarne l’harmonie, la créativité et l’esprit d’exploration. Fondé en 2018 à Cologne, cet ensemble tire son appellation de l’espéranto, où Orelon évoque simplement l’oreille, symbolisant ainsi les multiples facettes de l’écoute dans la musique. La violoniste Judith Stapf, le violoncelliste Arnau Rovira i Bascompte et le pianiste Marco Sanna se sont rencontrés aux conservatoires de Cologne et de Berlin. La formation en trio avec piano leur offre la plus grande harmonie musicale et humaine possible : ensemble, ils portent un regard curieux et dynamique sur les œuvres écrites pour cette combinaison instrumentale, les enrichissant d’une énergie indomptable et d’un plaisir du détail dans l’expression. Dans sa recherche de répertoire, le trio a développé le projet Beethovens Töchter (Les Filles de Beethoven), explorant des œuvres peu jouées de compositrices et les mettant en relation avec leur prédécesseur Ludwig van Beethoven.
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Ce concert de Kammerata Luxembourg met en avant et entrelace trois grandes œuvres de musique de chambre de Mozart et Reger, créant ainsi un dialogue musical entre ces deux compositeurs de renom. Bien que nous associions généralement Max Reger (1873-1916) à Johann Sebastian Bach, en raison notamment de son influence majeure dans le domaine de l’orgue, il existe également de nombreux points de convergence entre la musique de Reger et celle de W.A. Mozart. La Sérénade op. 141a en sol majeur de Reger, composée en 1915, et le Quintette à cordes en ut mineur KV 406 de Mozart, datant de 1787, sont étroitement liés. En effet, la première version
de l’œuvre de Mozart, créée cinq ans auparavant, était également une sérénade, mais pour instruments à vent. Le Quintette pour clarinette op. 146 de Reger, achevé peu avant sa mort prématurée en 1915, évoque quant à lui le Quintette en la majeur de Mozart datant de 1789, tant par sa formation que par sa structure. Dans cette œuvre tardive, Reger évite les tonalités pathétiques de ses compositions antérieures, adoptant une approche plus calme et introvertie ainsi qu’un son subtil et transparent.
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Le Novo Quartet, fondé en 2018 à Copenhague, est considéré comme l’un des jeunes ensembles les plus prometteurs du Danemark. Il a remporté plusieurs prix internationaux, dont le premier prix ainsi que tous les prix spéciaux du 77e Concours de Genève. Actuellement basé à Vienne et Copenhague, l‘ensemble est composé des violonistes Kaya Kato Møller et Nikolai Vasili Nedergaard, de l’altiste Daniel Śledziński et de la violoncelliste Signe Ebstrup Bitsch. Bien que la musique classique reste son principal domaine d’activité, le Novo Quartet a également exploré des collaborations passionnantes avec des musiciens de jazz et de pop. Ce qui caractérise
particulièrement ce quatuor est l’amitié profonde qui règne en son sein : le respect, l’attention réciproque et l’humour influencent non seulement les liens entre ses membres, mais aussi leur identité musicale et leur présence sur scène. Cette connexion étroite, à la fois musicale et personnelle, se manifeste dans leurs performances, marquées par l’unité et une résonance émotionnelle profonde avec la musique qu’ils interprètent.
